O Madrigal estava renascendo (1968)

Em 1968, o Madrigal Renascentista precisava recomeçar. Depois de anos de intensa atividade e de uma trajetória que já incluía viagens internacionais e reconhecimento da crítica, o grupo atravessava um período de menor atividade. Foi nesse momento que um velho conhecido reapareceu em Belo Horizonte: Carlos Eduardo Prates.

Prates não era um maestro qualquer convidado para reorganizar o coro. Ele havia participado da fundação do Madrigal e fazia parte de sua história desde os primeiros anos. Mas retornava agora em outra condição. Em 1966, havia vencido o Concurso Internacional de Regência de Florença e vinha construindo uma carreira que lhe dava crescente projeção no meio musical brasileiro. Sua passagem por Belo Horizonte seria temporária. Para o Madrigal, entretanto, teve consequências importantes.

Carlos Eduardo assumiu a regência e iniciou um trabalho intenso de reorganização. O repertório foi renovado, a estrutura interna passou por mudanças e os ensaios tornaram-se diários. Na nova casa da Rua Marília de Dirceu, 240, esses ensaios chegavam a ser abertos a visitantes. A imprensa percebeu rapidamente o movimento. Uma das notícias publicadas naquele período anunciava: “Viva o grande canto mineiro do Madrigal que está renascendo.”

O renascimento ganhou uma espécie de confirmação pública no dia 30 de maio, quando o Madrigal voltou ao Cine-Theatro Brasil. O concerto foi anunciado como um dos acontecimentos da temporada. O programa era inteiramente novo e reunia música da Renascença, obras modernas e arranjos folclóricos brasileiros. Não deixa de ser interessante perceber que, naquele momento, renovar o Madrigal não significava abandonar aquilo que ele havia sido. Ao contrário. O novo programa continuava colocando lado a lado diferentes épocas e linguagens, uma característica que já fazia parte da identidade do grupo.

A passagem de Carlos Eduardo Prates seria breve. Em julho, o Madrigal realizou o concerto que marcou sua despedida, com a participação da Orquestra Sinfônica da UFMG e de Lia Salgado. No programa estava a Invocação em Defesa da Pátria, de Villa-Lobos. Poucos meses haviam sido suficientes para uma boa sacudida no coro. Quando Carlos Eduardo Prates voltou a Belo Horizonte em 1968, encontrou um Madrigal que precisava se reorganizar. Quando partiu, deixou um grupo novamente ensaiando, apresentando repertório novo e ocupando os palcos da cidade.

Dessa vez, a expressão usada pelo jornal era bastante precisa: o Madrigal estava, de fato, renascendo.

Carlos Eduardo Prates em ensaio com o Madrigal – Fonte: Acervo do Madrigal Renascentista

Can't take my eyes off of you - Madrigale Internacional Pop Rock 2026

Um dos momentos do nosso Internacional Madrigale Pop Rock 2, realizado em setembro, no Teatro Sesiminas, foi a interpretação de Can’t Take My Eyes Off You.

Lançada por Frankie Valli em 1967, a canção atravessou gerações e ganhou inúmeras versões. Sua melodia envolvente e seu refrão contagiante fazem dela um daqueles sucessos que continuam presentes na memória de muita gente.

No Internacional Madrigale, ela ganhou a sonoridade das nossas vozes, numa interpretação que agora compartilho em vídeo.

Assista à apresentação no nosso canal do YouTube!

🎬 Can't take my eyes off of you - Madrigale Internacional Pop Rock 2026

O coro como experiência espiritual (uma reflexão)

Nos dois últimos textos, venho tentando compreender por que continuo tão interessado nessa forma particular de fazer música.

Primeiro, pensei no coro como instrumento: várias vozes e várias individualidades que, quando realmente se encontram, produzem uma resultante que nenhuma delas produziria sozinha. Depois, pensei no coro como comunidade: pessoas que constroem juntas pertencimento, memória, compromisso e identidade. Pois, penso que há ainda uma terceira dimensão, mais difícil de explicar: o coro pode ser também uma experiência espiritual.

Uso a palavra espiritual com algum cuidado. Não estou falando necessariamente de religião, embora a religião faça parte da minha vida e grande parte da história da música coral esteja ligada a ela. Penso aqui sobretudo em transcendência: nessa busca permanente por sensibilidade, por crescimento interior e por alguma coisa que nos faça ultrapassar, ainda que por alguns instantes, a experiência cotidiana.

E não preciso estar regendo uma missa, um moteto ou um réquiem para sentir isso. Já aconteceu comigo em repertórios muito diferentes. Poesia e espírito, para mim, caminham juntos. Procurar a essência de uma música, descobrir o que existe por trás das notas e tentar fazer com que aquilo adquira sentido é uma das coisas que continuam me impulsionando como músico.

Às vezes, o corpo percebe antes que consigamos explicar. O arrepio. Já o senti incontáveis vezes ao longo da vida, em ensaios e concertos, com músicas e grupos muito diferentes. São aqueles momentos em que alguma coisa acontece e sabemos que não se tratou apenas de cantar corretamente as notas. E isso não depende do que costumamos chamar de excelência.

Aliás, não gosto muito dessa palavra. Algumas das experiências mais bonitas que vivi aconteceram com coros de alunos iniciantes. Pessoas enfrentando dificuldades técnicas bastante concretas que, num determinado concerto, conseguem superá-las e realizar uma peça de uma maneira que talvez nem elas imaginassem possível.

Há um instante de silêncio depois da última nota. Depois vêm os sorrisos. Conheço bem esses sorrisos. Neles existe a satisfação pelo que foi realizado, mas há alguma coisa a mais: a descoberta de que fomos capazes de chegar juntos a um lugar ao qual talvez não chegássemos sozinhos. Os cantores percebem isso, eu percebo e, muitas vezes, o público também.

Aí está uma forma de transcendência. O regente participa desse processo, mas não como alguém superior ao grupo. Gosto mais de pensar nele como um condutor, no sentido mais literal da palavra. Poderia usar a imagem do bom pastor, embora tenha alguma resistência a ela. Não me interessa a ideia de alguém melhor que conduz um rebanho. Interessa-me outra coisa: aquele que congrega, percebe possibilidades e aponta um caminho. Quando o regente encontra esse caminho e o grupo confia nele, todos podem caminhar juntos.

Mas ninguém pode garantir que o extraordinário aconteça. Podemos ensaiar, preparar, estudar, corrigir, repetir. Podemos criar as condições. E então, algumas vezes, acontece. Nesses momentos, não acho que o indivíduo desapareça dentro do coro. Talvez aconteça justamente o contrário. Ele percebe a si mesmo com maior intensidade porque pertence a alguma coisa maior do que ele.

Fraternidade? Amizade? Coletividade? Humildade? Provavelmente tudo isso e ainda outras coisas para as quais não encontro um nome exato. Talvez seja por isso que, depois de tantos anos, ainda me emocione quando um grupo de pessoas respira junto e começa a cantar. Não sei explicar inteiramente o que acontece ali. E talvez não seja necessário.

Nos últimos três textos, percebo que estive tentando olhar para uma mesma experiência por ângulos diferentes. Primeiro, o coro como instrumento: individualidades que se encontram e produzem uma resultante que nenhuma voz conseguiria produzir sozinha. Depois, o coro como comunidade: o pertencimento, os vínculos, a identidade e a responsabilidade de construir alguma coisa juntos. E, finalmente, o coro como experiência espiritual: aqueles momentos em que esse encontro parece nos levar um pouco além de nós mesmos.

E esse é o percurso: eu canto, nós cantamos, alguma coisa acontece conosco. O indivíduo não desaparece em nenhuma dessas etapas. Ao contrário. Aprende a ouvir, encontra seu lugar no coletivo e, algumas vezes, percebe a si mesmo com ainda maior intensidade justamente porque não está sozinho.

O coro como comunidade (uma reflexão)

No texto anterior, escrevi que o coro só existe quando estamos juntos. Muitas vozes, quando conseguem realmente se integrar, produzem uma resultante que nenhuma delas conseguiria produzir sozinha. Mas existe outra consequência desse encontro que vai além da música. Um coro pode se tornar uma comunidade.

Digo “pode” porque isso não acontece necessariamente. Existem grupos que permanecem apenas reuniões de pessoas que ensaiam, cantam e vão embora. Podem até produzir bons resultados musicais, mas não chegam a construir uma identidade comum.

Quando essa identidade aparece, alguma coisa muda. As pessoas passam a compartilhar não apenas partituras, ensaios e concertos, mas uma história. Criam vínculos, memórias, hábitos, referências. Desenvolvem um sentimento de pertencimento. E, principalmente, passam a acreditar em um objetivo comum. Para mim, isso faz muita diferença.

Talvez isso explique por que algumas pessoas permanecem durante tantos anos em um mesmo coro. Evidentemente existe a música. Existem também as amizades e a convivência. Mas acredito que exista algo ainda mais forte: a percepção de fazer parte de uma história que também ajudamos a construir.

Isso não significa, porém, que eu veja o coro como uma espécie de família onde todos precisam permanecer a qualquer custo. Comunidade também pressupõe compromisso. Se no texto anterior eu dizia que cada voz precisa encontrar seu lugar dentro da sonoridade coletiva, penso que o mesmo vale para as relações humanas. Cada pessoa é importante, mas o trabalho precisa continuar sendo maior do que qualquer individualidade. A amizade pode fortalecer enormemente um coro. Pode criar confiança, cumplicidade e prazer de estar junto. Mas também pode produzir grupos fechados, privilégios, conflitos e interesses particulares. Cabe ao regente perceber esses movimentos e estabelecer limites quando começam a interferir no trabalho. Porque o regente, queira ou não, acaba exercendo também uma liderança humana.

Durante muito tempo aprendi que reger um coro não é apenas ensinar notas, construir frases ou decidir andamentos. É também lidar com pessoas e tentar fazer com que elas compreendam que existe um projeto coletivo que precisa ser preservado. E aqui talvez esteja uma questão menos confortável: nem todo mundo necessariamente pertence a todo coro. Acolher não significa abrir mão das exigências que permitem ao grupo existir. É preciso compromisso, disponibilidade, responsabilidade e disposição para trabalhar em função do conjunto. Cada integrante precisa funcionar dentro dessa grande engrenagem. Quando isso deixa de acontecer de maneira persistente, o próprio sentido de comunidade começa a ser comprometido.

Pode parecer contraditório, mas não acho que seja. Uma comunidade não se sustenta apenas porque as pessoas gostam umas das outras. Ela se sustenta porque existe alguma coisa que essas pessoas decidiram construir juntas. No nosso caso, essa coisa é a música. E talvez seja justamente por isso que um coro possa ocupar um lugar tão importante na vida de alguém. Entramos para cantar. Com o tempo, descobrimos que ajudamos a construir um som, uma história e uma identidade.

Resumindo: um coro continua sendo um instrumento. Só que é um instrumento feito de gente.

Por que os seres humanos cantam juntos (uma reflexão)

Sempre me interessou o fato de que os seres humanos cantam juntos. Cantamos em igrejas, festas, estádios, manifestações, cerimônias. Cantamos profissionalmente e cantamos sem qualquer pretensão artística. Em algum momento, alguém começa uma canção e outras pessoas se juntam. Há nisso alguma coisa que parece nos acompanhar há muito tempo.

Talvez porque cantar junto produza algo que não existe quando cantamos sozinhos. Uma voz continua sendo uma voz. Duas, dez ou cinquenta vozes reunidas, porém, podem produzir uma resultante que já não pertence inteiramente a nenhuma delas. É dessa combinação de vozes, e também de entregas, que nasce esse instrumento tão particular que chamamos coro.

Sempre gostei dessa maneira de fazer música. O piano ocupa um lugar muito importante na minha vida. Diante dele, tenho um instrumento inteiro à minha disposição. Com um coro é diferente: meu instrumento é constituído por pessoas. E pessoas trazem suas vozes, suas experiências, suas maneiras de ouvir, suas personalidades e, naturalmente, suas individualidades.

A individualidade não precisa desaparecer. O canto coletivo não exige que todos deixem de ser quem são. Mas exige uma compreensão de que, naquele momento, estamos construindo alguma coisa que depende também do outro. É preciso ouvir. É preciso ajustar. Às vezes, é preciso cantar menos para que alguma coisa soe mais. Talvez por isso o canto coletivo possa ensinar humildade. Minha voz importa, mas ela não é a única. Meu tempo precisa encontrar o tempo do outro. Minha respiração participa de uma frase que atravessa muitas pessoas. Meu som precisa caber dentro de outro som.

Ao longo dos anos, felizmente, vivi muitas vezes aquele momento em que isso acontece. O grupo deixa de ser apenas um conjunto de cantores e passa a funcionar como um instrumento. Também já vivi o contrário. Coros formados por boas vozes que não conseguiam verdadeiramente se integrar porque havia individualidades demais querendo permanecer no primeiro plano. E isso sempre me pareceu revelador: para existir um coro, não basta haver pessoas cantando juntas. É necessário construir o coletivo.

Talvez seja justamente isso que continue me atraindo depois de tantos anos de regência. Gosto desse instrumento estranho que não posso possuir, guardar numa caixa ou deixar esperando na sala até o próximo ensaio. Ele precisa ser reconstruído cada vez que as pessoas se encontram.

O piano está lá quando me sento diante dele. O coro só existe quando estamos juntos.

Over the rainbow - Internacional

Há músicas que parecem ter encontrado uma nova vida depois de serem recriadas por outro intérprete. Foi o que aconteceu quando Israel Kamakawiwoʻole reuniu Somewhere Over the Rainbow e What a Wonderful World numa mesma interpretação.

De um lado, a canção de Harold Arlen que atravessou gerações desde O Mágico de Oz. Do outro, What a Wonderful World, eternamente associada à voz de Louis Armstrong. Nas mãos e, principalmente, na voz do havaiano Israel Kamakawiwoʻole, as duas passaram a conversar como se sempre tivessem pertencido uma à outra. E quase tudo acontece com uma simplicidade desconcertante: uma voz e um ukulele.

Foi essa versão que inspirou o arranjo coral de Roger Emerson que levamos ao palco no Internacional Madrigale Pop Rock 2. Emerson preserva justamente algo essencial daquela atmosfera. Em vez de transformar as duas canções numa grande peça coral, mantém a leveza da versão de Israel e permite que o ukulele acompanhe o coro.

No nosso concerto, quem assumiu esse papel foi Elias Santos. E havia algo muito bonito naquela sonoridade. Depois de tantas cores diferentes que exploramos ao longo do Internacional, de repente um instrumento pequeno, com um timbre imediatamente reconhecível, estabelecia outro ambiente no palco. O coro precisava entrar nesse universo sem pesar a música.

Isso me parece particularmente importante nesse arranjo. Um coro tem naturalmente a possibilidade de produzir uma grande massa sonora. Mas nem sempre essa é a melhor escolha. Há momentos em que quarenta vozes precisam aprender a cantar com a simplicidade de uma só.

Somewhere Over the Rainbow fala de um lugar sonhado, para além do arco-íris. What a Wonderful World volta os olhos para aquilo que está diante de nós. Uma imagina outro mundo; a outra encontra beleza neste. Talvez seja por isso que as duas tenham se encontrado tão bem.

No Internacional Madrigale, elas chegaram juntas, conduzidas pelo som de um ukulele. E por alguns minutos coube ao coro fazer aquilo que Israel Kamakawiwoʻole conseguiu de maneira tão particular: deixar duas canções muito conhecidas soarem como se tivessem acabado de se encontrar.

🎬 Over the Rainbow/What a Wonderful World - Madrigale Pop Rock Internacional 2026

Madrigal Renascentista: O senhor não precisar cantar, presidente

Em abril de 1968, o Madrigal Renascentista estava mais uma vez em Brasília. O grupo havia sido convidado para participar das comemorações do oitavo aniversário da cidade e cantou na missa celebrada na Catedral.

Depois da cerimônia, Simão Lacerda, então diretor do Madrigal, aproximou-se do presidente Costa e Silva para convidá-lo para o concerto que o grupo faria naquela noite, no Teatro Martins Pena.

A resposta do presidente foi inesperada:

— Você vai me perdoar, mas não vou poder ir, pois estou um pouco rouco.

Simão respondeu na hora:

— Não tem importância, Presidente. O senhor não precisa cantar, não.

Segundo o relato publicado pela imprensa, Costa e Silva caiu na gargalhada.

A história é pequena, mas é dessas que gosto de encontrar quando pesquiso a trajetória do Madrigal Renascentista. No meio de programas, críticas, datas, repertórios e documentos oficiais, de repente aparece uma cena como essa. Por alguns segundos, aqueles personagens deixam de ser apenas nomes registrados nos jornais de 1968 e voltam a conversar diante de nós.

E há também um pouco do próprio Madrigal nessa história. O grupo circulava por Brasília, participava de cerimônias oficiais, cantava diante das autoridades e, poucas horas depois, estava no palco de um teatro. Em meio a tudo isso, Simão ainda encontrava espaço para uma resposta rápida... e bastante irreverente.

Mais de meio século depois, a piada continua boa.

 

Sob o olhar de Nossa Senhora

Hoje é dia de escolher os caminhos do Brasil.

Que Nossa Senhora Aparecida, nossa padroeira, abençoe este dia e olhe especialmente por aqueles que mais precisam de cuidado, proteção e esperança.

Que o Brasil encontre caminhos de igualdade e equidade, de respeito à democracia e à soberania, de compromisso com seu povo e com a dignidade de cada brasileiro.

A padroeira, naturalmente, não é candidata. Não tem partido, não disputa eleições e não precisa de cabo eleitoral. Sua presença pertence à fé de milhões de brasileiros. Já a responsabilidade pelo futuro do país pertence a todos nós.

Hoje, essa responsabilidade passa pelas urnas. Que cada voto seja exercido com consciência, liberdade e respeito à democracia.

Nossa Senhora Aparecida, olhai pelo Brasil.

Skyfall (Adele) - Madrigale Internacional Pop Rock 2026

Algumas músicas são tão associadas ao cinema que basta ouvir os primeiros acordes para reconhecermos o universo ao qual pertencem. É o caso de Skyfall, interpretada por Adele e composta em parceria com Paul Epworth para o filme homônimo de James Bond, lançado em 2012.

A canção recupera uma característica marcante das trilhas sonoras da série: o encontro entre uma melodia expressiva, uma atmosfera de mistério e uma construção musical que caminha para momentos de grande intensidade.

No Internacional Madrigale, Skyfall representou um desafio interessante: transportar para a linguagem coral uma música cuja identidade está profundamente ligada à voz de Adele.Mas ali contamos com o belo arranjo de Paul Langford.

A composição oferece muitas possibilidades para esse trabalho. Sua melodia começa de maneira relativamente contida, enquanto a harmonia cria uma atmosfera de expectativa. Aos poucos, a música ganha intensidade até chegar ao refrão, quando a amplitude melódica e a força da orquestração original produzem um resultado particularmente dramático.

Na interpretação coral, essa construção exige atenção ao equilíbrio entre as vozes, ao fraseado e, principalmente, à maneira como conduzimos o crescimento da intensidade musical. Não basta cantar forte. É preciso preparar os momentos de maior expressão para que eles tenham realmente significado.

Há também uma característica que me interessa especialmente nessa música: a relação entre o texto e sua atmosfera sonora. As imagens de queda, destruição e enfrentamento ganham força por meio de uma escrita musical que alterna tensão e afirmação.

Ao incluir Skyfall no repertório do Internacional Madrigale, levamos para o palco uma canção que nasceu para o cinema e encontramos nela outras possibilidades de interpretação.

Afinal, uma boa música pode mudar de intérprete, de formação instrumental e até de ambiente sem perder aquilo que a torna reconhecível. E descobrir o que ela pode oferecer quando cantada por um coro é uma das experiências que mais me interessam nesse projeto.

🎬 Skyfall - Madrigale Internacional Pop Rock 2026

Quando não entendemos as palavras que cantamos (uma reflexão)

Quem participa de um coro certamente já passou por esta experiência: cantar uma obra em latim, alemão, francês ou qualquer outro idioma sem compreender inteiramente o que está dizendo. Podemos aprender a pronúncia, memorizar o texto e até executar a música corretamente. Mas será que isso é suficiente para interpretar uma obra?

No meu trabalho como regente, costumo começar pela pronúncia. É preciso conhecer os sons do idioma, compreender como as palavras são articuladas e encontrar uma maneira de cantá-las com naturalidade. Em seguida, trabalhamos o significado das palavras e das frases.

É nesse segundo momento que começam a surgir questões propriamente interpretativas. Uma frase literária possui sua própria organização. Algumas palavras têm maior importância, outras preparam aquilo que será dito adiante. Há pontos de tensão, momentos de repouso e ideias que precisam ser compreendidas em conjunto. Na música, tudo isso ganha outra dimensão. Uma palavra pode coincidir com o ponto culminante de uma frase musical. Outra pode aparecer numa anacruse, preparando o movimento que virá. O compositor pode valorizar determinada expressão, prolongar uma sílaba ou criar uma tensão harmônica justamente sobre a palavra mais importante do texto. Cabe ao intérprete perceber essas relações.

É por isso que considero a compreensão do texto fundamental para uma boa interpretação coral. Quando os cantores entendem aquilo que estão dizendo, suas decisões musicais começam a fazer sentido. A articulação, a dinâmica, o fraseado e até a maneira de respirar passam a estar relacionados com o conteúdo da obra.

Naturalmente, nem sempre dominamos os idiomas que precisamos cantar. Eu mesmo recorro a todos os recursos disponíveis: traduções, gravações, estudos de pronúncia e pessoas que conhecem a língua. O importante é não tratar as palavras como uma sequência de sons que precisamos reproduzir.

Também não se trata de exigir que todos os integrantes de um coro aprendam alemão para cantar Bach ou latim para interpretar Mozart. Trata-se de compreender o texto que temos diante de nós e descobrir como ele se transforma em música. Costumo pensar que, quando trabalhamos uma obra coral, estamos lidando simultaneamente com duas frases: a literária e a musical. Uma não deve ser simplesmente subordinada à outra. Precisamos compreender como elas se encontram e como o compositor construiu essa relação.

A pronúncia correta permite que o público reconheça as palavras. A compreensão do texto permite que o coro saiba o que fazer com elas. E essa diferença pode transformar completamente uma interpretação.