Por que os seres humanos cantam juntos (uma reflexão)

Sempre me interessou o fato de que os seres humanos cantam juntos. Cantamos em igrejas, festas, estádios, manifestações, cerimônias. Cantamos profissionalmente e cantamos sem qualquer pretensão artística. Em algum momento, alguém começa uma canção e outras pessoas se juntam. Há nisso alguma coisa que parece nos acompanhar há muito tempo.

Talvez porque cantar junto produza algo que não existe quando cantamos sozinhos. Uma voz continua sendo uma voz. Duas, dez ou cinquenta vozes reunidas, porém, podem produzir uma resultante que já não pertence inteiramente a nenhuma delas. É dessa combinação de vozes, e também de entregas, que nasce esse instrumento tão particular que chamamos coro.

Sempre gostei dessa maneira de fazer música. O piano ocupa um lugar muito importante na minha vida. Diante dele, tenho um instrumento inteiro à minha disposição. Com um coro é diferente: meu instrumento é constituído por pessoas. E pessoas trazem suas vozes, suas experiências, suas maneiras de ouvir, suas personalidades e, naturalmente, suas individualidades.

A individualidade não precisa desaparecer. O canto coletivo não exige que todos deixem de ser quem são. Mas exige uma compreensão de que, naquele momento, estamos construindo alguma coisa que depende também do outro. É preciso ouvir. É preciso ajustar. Às vezes, é preciso cantar menos para que alguma coisa soe mais. Talvez por isso o canto coletivo possa ensinar humildade. Minha voz importa, mas ela não é a única. Meu tempo precisa encontrar o tempo do outro. Minha respiração participa de uma frase que atravessa muitas pessoas. Meu som precisa caber dentro de outro som.

Ao longo dos anos, felizmente, vivi muitas vezes aquele momento em que isso acontece. O grupo deixa de ser apenas um conjunto de cantores e passa a funcionar como um instrumento. Também já vivi o contrário. Coros formados por boas vozes que não conseguiam verdadeiramente se integrar porque havia individualidades demais querendo permanecer no primeiro plano. E isso sempre me pareceu revelador: para existir um coro, não basta haver pessoas cantando juntas. É necessário construir o coletivo.

Talvez seja justamente isso que continue me atraindo depois de tantos anos de regência. Gosto desse instrumento estranho que não posso possuir, guardar numa caixa ou deixar esperando na sala até o próximo ensaio. Ele precisa ser reconstruído cada vez que as pessoas se encontram.

O piano está lá quando me sento diante dele. O coro só existe quando estamos juntos.

Over the rainbow - Internacional

Há músicas que parecem ter encontrado uma nova vida depois de serem recriadas por outro intérprete. Foi o que aconteceu quando Israel Kamakawiwoʻole reuniu Somewhere Over the Rainbow e What a Wonderful World numa mesma interpretação.

De um lado, a canção de Harold Arlen que atravessou gerações desde O Mágico de Oz. Do outro, What a Wonderful World, eternamente associada à voz de Louis Armstrong. Nas mãos e, principalmente, na voz do havaiano Israel Kamakawiwoʻole, as duas passaram a conversar como se sempre tivessem pertencido uma à outra. E quase tudo acontece com uma simplicidade desconcertante: uma voz e um ukulele.

Foi essa versão que inspirou o arranjo coral de Roger Emerson que levamos ao palco no Internacional Madrigale Pop Rock 2. Emerson preserva justamente algo essencial daquela atmosfera. Em vez de transformar as duas canções numa grande peça coral, mantém a leveza da versão de Israel e permite que o ukulele acompanhe o coro.

No nosso concerto, quem assumiu esse papel foi Elias Santos. E havia algo muito bonito naquela sonoridade. Depois de tantas cores diferentes que exploramos ao longo do Internacional, de repente um instrumento pequeno, com um timbre imediatamente reconhecível, estabelecia outro ambiente no palco. O coro precisava entrar nesse universo sem pesar a música.

Isso me parece particularmente importante nesse arranjo. Um coro tem naturalmente a possibilidade de produzir uma grande massa sonora. Mas nem sempre essa é a melhor escolha. Há momentos em que quarenta vozes precisam aprender a cantar com a simplicidade de uma só.

Somewhere Over the Rainbow fala de um lugar sonhado, para além do arco-íris. What a Wonderful World volta os olhos para aquilo que está diante de nós. Uma imagina outro mundo; a outra encontra beleza neste. Talvez seja por isso que as duas tenham se encontrado tão bem.

No Internacional Madrigale, elas chegaram juntas, conduzidas pelo som de um ukulele. E por alguns minutos coube ao coro fazer aquilo que Israel Kamakawiwoʻole conseguiu de maneira tão particular: deixar duas canções muito conhecidas soarem como se tivessem acabado de se encontrar.

🎬 Over the Rainbow/What a Wonderful World - Madrigale Pop Rock Internacional 2026

Madrigal Renascentista: O senhor não precisar cantar, presidente

Em abril de 1968, o Madrigal Renascentista estava mais uma vez em Brasília. O grupo havia sido convidado para participar das comemorações do oitavo aniversário da cidade e cantou na missa celebrada na Catedral.

Depois da cerimônia, Simão Lacerda, então diretor do Madrigal, aproximou-se do presidente Costa e Silva para convidá-lo para o concerto que o grupo faria naquela noite, no Teatro Martins Pena.

A resposta do presidente foi inesperada:

— Você vai me perdoar, mas não vou poder ir, pois estou um pouco rouco.

Simão respondeu na hora:

— Não tem importância, Presidente. O senhor não precisa cantar, não.

Segundo o relato publicado pela imprensa, Costa e Silva caiu na gargalhada.

A história é pequena, mas é dessas que gosto de encontrar quando pesquiso a trajetória do Madrigal Renascentista. No meio de programas, críticas, datas, repertórios e documentos oficiais, de repente aparece uma cena como essa. Por alguns segundos, aqueles personagens deixam de ser apenas nomes registrados nos jornais de 1968 e voltam a conversar diante de nós.

E há também um pouco do próprio Madrigal nessa história. O grupo circulava por Brasília, participava de cerimônias oficiais, cantava diante das autoridades e, poucas horas depois, estava no palco de um teatro. Em meio a tudo isso, Simão ainda encontrava espaço para uma resposta rápida... e bastante irreverente.

Mais de meio século depois, a piada continua boa.

 

Sob o olhar de Nossa Senhora

Hoje é dia de escolher os caminhos do Brasil.

Que Nossa Senhora Aparecida, nossa padroeira, abençoe este dia e olhe especialmente por aqueles que mais precisam de cuidado, proteção e esperança.

Que o Brasil encontre caminhos de igualdade e equidade, de respeito à democracia e à soberania, de compromisso com seu povo e com a dignidade de cada brasileiro.

A padroeira, naturalmente, não é candidata. Não tem partido, não disputa eleições e não precisa de cabo eleitoral. Sua presença pertence à fé de milhões de brasileiros. Já a responsabilidade pelo futuro do país pertence a todos nós.

Hoje, essa responsabilidade passa pelas urnas. Que cada voto seja exercido com consciência, liberdade e respeito à democracia.

Nossa Senhora Aparecida, olhai pelo Brasil.

Skyfall (Adele) - Madrigale Internacional Pop Rock 2026

Algumas músicas são tão associadas ao cinema que basta ouvir os primeiros acordes para reconhecermos o universo ao qual pertencem. É o caso de Skyfall, interpretada por Adele e composta em parceria com Paul Epworth para o filme homônimo de James Bond, lançado em 2012.

A canção recupera uma característica marcante das trilhas sonoras da série: o encontro entre uma melodia expressiva, uma atmosfera de mistério e uma construção musical que caminha para momentos de grande intensidade.

No Internacional Madrigale, Skyfall representou um desafio interessante: transportar para a linguagem coral uma música cuja identidade está profundamente ligada à voz de Adele.Mas ali contamos com o belo arranjo de Paul Langford.

A composição oferece muitas possibilidades para esse trabalho. Sua melodia começa de maneira relativamente contida, enquanto a harmonia cria uma atmosfera de expectativa. Aos poucos, a música ganha intensidade até chegar ao refrão, quando a amplitude melódica e a força da orquestração original produzem um resultado particularmente dramático.

Na interpretação coral, essa construção exige atenção ao equilíbrio entre as vozes, ao fraseado e, principalmente, à maneira como conduzimos o crescimento da intensidade musical. Não basta cantar forte. É preciso preparar os momentos de maior expressão para que eles tenham realmente significado.

Há também uma característica que me interessa especialmente nessa música: a relação entre o texto e sua atmosfera sonora. As imagens de queda, destruição e enfrentamento ganham força por meio de uma escrita musical que alterna tensão e afirmação.

Ao incluir Skyfall no repertório do Internacional Madrigale, levamos para o palco uma canção que nasceu para o cinema e encontramos nela outras possibilidades de interpretação.

Afinal, uma boa música pode mudar de intérprete, de formação instrumental e até de ambiente sem perder aquilo que a torna reconhecível. E descobrir o que ela pode oferecer quando cantada por um coro é uma das experiências que mais me interessam nesse projeto.

🎬 Skyfall - Madrigale Internacional Pop Rock 2026

Quando não entendemos as palavras que cantamos (uma reflexão)

Quem participa de um coro certamente já passou por esta experiência: cantar uma obra em latim, alemão, francês ou qualquer outro idioma sem compreender inteiramente o que está dizendo. Podemos aprender a pronúncia, memorizar o texto e até executar a música corretamente. Mas será que isso é suficiente para interpretar uma obra?

No meu trabalho como regente, costumo começar pela pronúncia. É preciso conhecer os sons do idioma, compreender como as palavras são articuladas e encontrar uma maneira de cantá-las com naturalidade. Em seguida, trabalhamos o significado das palavras e das frases.

É nesse segundo momento que começam a surgir questões propriamente interpretativas. Uma frase literária possui sua própria organização. Algumas palavras têm maior importância, outras preparam aquilo que será dito adiante. Há pontos de tensão, momentos de repouso e ideias que precisam ser compreendidas em conjunto. Na música, tudo isso ganha outra dimensão. Uma palavra pode coincidir com o ponto culminante de uma frase musical. Outra pode aparecer numa anacruse, preparando o movimento que virá. O compositor pode valorizar determinada expressão, prolongar uma sílaba ou criar uma tensão harmônica justamente sobre a palavra mais importante do texto. Cabe ao intérprete perceber essas relações.

É por isso que considero a compreensão do texto fundamental para uma boa interpretação coral. Quando os cantores entendem aquilo que estão dizendo, suas decisões musicais começam a fazer sentido. A articulação, a dinâmica, o fraseado e até a maneira de respirar passam a estar relacionados com o conteúdo da obra.

Naturalmente, nem sempre dominamos os idiomas que precisamos cantar. Eu mesmo recorro a todos os recursos disponíveis: traduções, gravações, estudos de pronúncia e pessoas que conhecem a língua. O importante é não tratar as palavras como uma sequência de sons que precisamos reproduzir.

Também não se trata de exigir que todos os integrantes de um coro aprendam alemão para cantar Bach ou latim para interpretar Mozart. Trata-se de compreender o texto que temos diante de nós e descobrir como ele se transforma em música. Costumo pensar que, quando trabalhamos uma obra coral, estamos lidando simultaneamente com duas frases: a literária e a musical. Uma não deve ser simplesmente subordinada à outra. Precisamos compreender como elas se encontram e como o compositor construiu essa relação.

A pronúncia correta permite que o público reconheça as palavras. A compreensão do texto permite que o coro saiba o que fazer com elas. E essa diferença pode transformar completamente uma interpretação.

Explicação coral: Coro de câmara e grande coro - qual é a diferença? x

Quando falamos em coro de câmara e grande coro, a primeira diferença que vem à cabeça é o número de cantores. E ela existe. Um coro de câmara trabalha normalmente com um grupo menor de vozes, enquanto um grande coro pode reunir dezenas e, às vezes, centenas de pessoas.

Mas a diferença não termina na quantidade. Num coro de câmara, cada voz individual tem um peso maior no resultado. Com poucos cantores por naipe, qualquer mudança de afinação, timbre, articulação ou dinâmica aparece com muita clareza. Isso permite um trabalho bastante refinado de precisão e equilíbrio, mas também exige dos cantores grande responsabilidade individual.

É parecido com o que acontece na música instrumental de câmara: cada músico precisa ouvir o conjunto e, ao mesmo tempo, compreender muito bem o seu próprio papel dentro dele.

No grande coro, a relação muda. A presença de muitas vozes produz outra massa sonora e amplia enormemente as possibilidades de volume, densidade e contraste. O som coletivo tende a se sobrepor à individualidade de cada cantor. Isso não significa que precisão e equilíbrio sejam menos importantes. Ao contrário: conseguir que muitas pessoas articulem uma consoante, ataquem uma nota ou terminem uma frase exatamente juntas pode exigir um trabalho enorme.

O repertório também explora essas diferenças. Há obras cuja escrita se beneficia da transparência e da flexibilidade de um coro menor. Em outras, o compositor procura justamente o impacto produzido por uma grande massa de vozes. Pensem, por exemplo, na diferença entre ouvir um madrigal renascentista cantado por dezesseis pessoas e um grande Requiem com coro e orquestra interpretado por mais de cem cantores. Não se trata apenas de um ser menor e o outro maior. São experiências sonoras diferentes.

E existe ainda uma questão importante: não há uma fronteira matemática que determine onde termina o coro de câmara e começa o grande coro. As denominações dependem também da tradição, do repertório, da instituição e da maneira como o conjunto trabalha.

Por isso, talvez seja melhor pensar menos em números e mais em possibilidades. O coro de câmara favorece transparência, flexibilidade, precisão e uma relação muito próxima entre as vozes. O grande coro oferece massa sonora, amplitude, densidade e uma capacidade de impacto que nasce justamente da reunião de muitas vozes.

Nenhuma formação é, por natureza, melhor que a outra. São instrumentos diferentes. E o regente precisa aprender a tocar cada um deles.

As músicas das Divas - Madrigale Internacional Pop Rock 2026

Madonna, Lady Gaga e Cyndi Lauper. Três cantoras de gerações diferentes, três personalidades muito distintas e três músicas que entraram no repertório do nosso Internacional Madrigale.

Escolher músicas tão associadas a intérpretes específicas traz sempre um desafio para um coro. Não me interessa tentar reproduzir aquilo que já conhecemos nas gravações originais. Um coro não é Madonna. Não é Lady Gaga. Não é Cyndi Lauper. E é justamente aí que a brincadeira começa a ficar interessante.

Like a Prayer talvez seja a que mais naturalmente se aproxima do universo coral. Na gravação de Madonna, lançada em 1989, o coro já faz parte da própria identidade da música. No Madrigale, essa presença deixa de ser um elemento da canção e passa para o primeiro plano. Aquilo que estava dentro do arranjo original torna-se o próprio instrumento que conta a história.

Com Million Reasons, o caminho é outro. A força da música está muito ligada à exposição da voz de Lady Gaga, numa canção que pede mais intimidade do que espetáculo. Quando muitas vozes assumem esse material, é preciso preservar essa fragilidade. O desafio não é fazer o coro soar grande, mas conseguir que ele também saiba soar próximo. Por isso a ideia de ter um arranjo para vozes iguais.

E Time After Time traz outra atmosfera. É uma daquelas músicas que parecem carregar junto delas a época em que foram ouvidas, as lembranças que acumulamos e uma melodia que atravessou décadas sem precisar levantar a voz. No coro, ela ganha novas camadas: a melodia continua reconhecível, mas passa a circular entre diferentes vozes e harmonias.

Talvez tenha sido justamente isso que me interessou ao reunir as três no mesmo concerto. Madonna, Lady Gaga e Cyndi Lauper construíram suas canções a partir de identidades vocais muito fortes. O Madrigale precisava respeitar essas identidades sem imitá-las.

No palco, portanto, não tivemos três tentativas de reproduzir três divas. Tivemos três encontros entre a música pop e a sonoridade de um coro. E, em cada um deles, a canção precisou encontrar uma nova maneira de ser ela mesma.

🎬 Like a prayer - Madrigale Internacional Pop Rock 2026

🎬 Million reasons - Madrigale Internacional Pop Rock 2026

🎬 Time after time - Madrigale Internacional Pop Rock 2026

Your song (Elton John) - Madrigale Internacional Pop Rock 2026

No meio do Concerto Internacional Pop Rock 2 aconteceu uma coisa que ninguém estava esperando. Nem o coro, nem a banda e, principalmente, nem a Lívia. Chamei-a ao palco para cantar Your Song conosco. A ideia tinha aparecido na minha cabeça apenas na véspera, durante o ensaio geral. Não falei nada com ninguém. Guardei e resolvi fazer na hora. Quando a chamei, houve alguns segundos daquele “o que está acontecendo?” geral. E era justamente isso que eu queria.

Havia uma razão muito particular para ser Your Song. Lívia e eu sempre tocamos essa música juntos. Ela pertence ao nosso repertório e acabou ficando ligada também a uma mudança importante que aconteceu na minha própria relação com a música. Com o passar dos anos, fui sendo levado pela vida a ocupar cada vez mais o lugar do maestro. O piano continuou presente, evidentemente, mas muito ligado ao trabalho de regência, ao estudo e ao repertório erudito. Sempre fiz arranjos de música popular, mas não havia uma dedicação maior minha a esse universo como intérprete.

Curiosamente, durante a pandemia alguma coisa começou a mudar. Voltei a me interessar por tocar MPB, experimentar músicas, procurar cifras, harmonias, outras maneiras de usar o piano. Hoje penso que aquilo foi quase uma preparação para o que viria depois.

Então conheci Lívia. Ela não fez nenhum discurso sobre a necessidade de eu reencontrar a música popular. Fez uma coisa muito mais eficiente: me convidou para tocar com ela. E eu fui.

Vieram os shows, os ensaios, repertórios que eu não conhecia tão bem, outras maneiras de acompanhar uma cantora, de escutar uma canção, de construir uma interpretação. Para quem passou tantos anos trabalhando prioritariamente com música coral e repertório erudito, havia ali muita coisa para aprender. E gostei muito desse aprendizado. Acho que o maestro também mudou nesse processo. Ficou mais leve.

Hoje não vejo mais muita utilidade em separar esses universos. O músico que rege um moteto é o mesmo que toca MPB, que acompanha Lívia, que trabalha Queen com o Madrigale ou volta no dia seguinte para Palestrina. Uma experiência vai entrando na outra, e essa integração se tornou preciosa para mim.

E Your Song ficou no meio dessa história. Além de tudo, é uma obra-prima. Daquelas canções que não precisam de nenhuma justificativa adicional para estar num programa. Por isso, naquele concerto, pareceu muito natural chamá-la.

Lívia entrou, o coro entendeu imediatamente o que estava acontecendo, a banda também, e cantamos. Todos ali conhecem nossa relação afetiva e profissional, então havia algo especial naquela cena que dispensava explicações.

O público via uma cantora convidada subir ao palco para cantar Your Song com o Madrigale. Para mim havia um pouco mais. Estava ali a pessoa que, alguns anos antes, tinha simplesmente me dito: venha tocar comigo. E eu voltei a tocar.

🎥 Your Song - Madrigale Internacional Pop Rock 2026

Repertório Coral: Música Sacra, de Villa-Lobos

Há alguns dias, o meu amigo e Maestro Angelo Fernandes me enviou um arquivo que eu não conhecia: o primeiro volume de Música Sacra, de Heitor Villa-Lobos. O livro havia sido escaneado por Otávio Simões, regente do Coro Lírico de Manaus, e chegou até mim por essa boa prática que existe entre músicos de fazer partituras circularem. Eu conhecia algumas das obras separadamente. Já havia trabalhado com uma das Ave Marias e com o Pater Noster. Mas nunca tinha visto o volume completo.

E vê-las reunidas muda um pouco a percepção: o livro reúne 23 peças e começa com nada menos que nove Ave Marias. Depois aparecem Padre Nosso, Pater Noster, Tantum Ergo, Ave Verum, Sub Tuum, O Cor Jesu, O Salutaris, Cor Dulce, Cor Amabile, Panis Angelicus, Hino a Santo Agostinho, Praesepe, O Canto de Natal e Preces sem Palavras. 

Também chama a atenção a variedade das formações. Há sobretudo música para coro misto a quatro vozes, mas também cânone a duas vozes, coro a cinco e seis vozes, coro masculino, canto com órgão ou piano, quarteto de cordas e outras combinações. A edição reúne ainda obras de diferentes momentos da produção de Villa-Lobos. Encontramos peças datadas das primeiras décadas do século XX e outras já próximas da publicação do volume, como o Pater Noster, de 1950, e diversas obras de 1952. Não é, portanto, um conjunto composto como unidade, mas uma reunião bastante ampla de sua produção sacra. 

Isso me interessa especialmente porque a música sacra de Villa-Lobos me parece pouco frequentada pelos nossos coros. Algumas obras acabam sendo repetidas, enquanto uma parte considerável dessa produção permanece muito menos conhecida. Quando encontramos um livro como este, percebemos que existe uma diversidade maior do que aquela sugerida pelo repertório que normalmente circula.

E esse é justamente um dos motivos desta série de posts sobre repertório brasileiro. Partituras desaparecem das lojas, edições tornam-se raras, exemplares ficam guardados em bibliotecas e acervos particulares e, aos poucos, determinadas obras deixam simplesmente de chegar às mãos de quem poderia cantá-las. Disponibilizar esse material é uma maneira de preservar, facilitar o acesso e, principalmente, permitir que cada regente conheça o repertório e faça suas próprias escolhas.

Por isso faço questão também de registrar o caminho deste arquivo. Otávio Simões escaneou o volume. Angelo Fernandes o compartilhou comigo. E agora ele segue adiante.

A capa diz apenas: H. Villa-Lobos — Música Sacra — 1º Volume. 

Dentro dela, há muito mais Villa-Lobos para conhecermos.

Para baixar o livro, clique aqui: H. Villa-Lobos — Música Sacra — 1º Volume.