Dois Requiems, uma mesma história

Em menos de uma semana, o Madrigale apresentou duas das grandes obras do repertório coral: o Requiem de Mozart, no Dia de Finados, e o Requiem Alemão de Brahms, ontem, no Auditório da Escola de Música da UFMG. Duas experiências muito diferentes, que me fizeram pensar sobre o trabalho que realizamos ao longo de tantos anos e sobre a maturidade artística que um coro pode alcançar.

O concerto de Mozart aconteceu em uma igreja lotada. Do lado de fora, uma tempestade, com chuva intensa e relâmpagos, acompanhava a apresentação. Dentro, coro, solistas e orquestra estavam envolvidos na construção de uma música de enorme força dramática. Foi uma noite de grande intensidade, que nos permitiu reencontrar a energia de um repertório que faz parte da própria história do Madrigale.

Poucos dias depois, estávamos diante de Brahms. O ambiente era outro, a formação instrumental também. Desta vez, o coro dividia a interpretação com o piano de Patrícia Valadão, uma pianista extraordinária, que conheço como alguém completamente integrada ao espírito musical do Madrigale. Sua participação foi muito além de um acompanhamento instrumental. Havia uma compreensão compartilhada da obra, uma cumplicidade musical construída na escuta e na sensibilidade.

Brahms nos colocou diante de exigências muito particulares. Seu Requiem tem uma dimensão profundamente humana, voltada para a experiência da perda e para o consolo daqueles que permanecem. É uma música que exige do coro grande domínio técnico, mas também maturidade para sustentar longas frases, encontrar equilíbrio entre as vozes e dar sentido expressivo às palavras.

O que mais me impressionou nessa apresentação foi a sonoridade do Madrigale. Havia uma consistência no som, uma unidade de expressão e uma concentração que se mantiveram ao longo de toda a obra. E isso aconteceu apesar das condições pouco favoráveis: um calor extremo dentro do auditório e muita chuva do lado de fora. Nada disso pareceu comprometer a atenção dos cantores ou a qualidade da interpretação.

Ao ouvir o coro naquela noite, tive a percepção muito clara de que alcançamos um novo patamar de maturidade artística. Não atribuo isso exclusivamente ao trabalho recente, nem apenas às qualidades individuais dos cantores que hoje fazem parte do grupo. Penso nos muitos anos de atividade do Madrigale e, sobretudo, no repertório que construímos ao longo dessa trajetória.

Cada obra estudada deixa alguma coisa. Uma experiência com a música antiga modifica nossa maneira de ouvir as vozes. Uma grande composição sinfônico-coral amplia a compreensão das relações entre texto, harmonia e expressão. Os desafios técnicos de um repertório acabam preparando o coro para enfrentar outros, às vezes muito diferentes. E o conhecimento adquirido não desaparece inteiramente quando os cantores se renovam. Ele permanece na maneira de ensaiar, nas exigências que estabelecemos e na própria concepção musical que o grupo desenvolve.

Um coro, afinal, não amadurece simplesmente porque envelhece. Amadurece porque aprende, porque enfrenta dificuldades, porque amplia seu repertório e porque transforma essas experiências em conhecimento coletivo. É claro que continuamos trabalhando, corrigindo e descobrindo. Sempre haverá passagens que poderiam ter sido melhores, escolhas interpretativas a reconsiderar e novos desafios a enfrentar. Mas reconhecer o que alcançamos também faz parte desse processo.

Ao reunir as lembranças desses dois concertos, penso especialmente nas pessoas que construíram e continuam construindo a história do Madrigale. Cantores de diferentes gerações, músicos que nos acompanham há muitos anos e outros que chegam trazendo novas possibilidades. Todos participam, em momentos diferentes, de uma mesma trajetória artística.

As fotografias e os pequenos vídeos que compartilho aqui registram alguns instantes dessas duas apresentações. Para mim, são também testemunhos de uma história musical que permanece viva. E é muito bom estar novamente à frente dela.

🎬 Ave Verum Corpus - W. A. Mozart (Coro Madrigale - Finados 2026)

Brahms e seu Réquiem Alemão: do ensaio ao concerto

Hoje, às 19h, o Madrigale apresenta o Requiem Alemão de Johannes Brahms no Auditório da Escola de Música da UFMG. Teremos ao piano Patrícia Valadão, nesta interpretação da obra para coro e piano solo.

Ao longo desta semana, procurei compartilhar alguns aspectos dessa composição extraordinária. Falamos da escolha dos textos, da maneira como Brahms trata a morte e o consolo, da importância da escrita coral e das relações entre palavra e música. Mas há também um aspecto que faz parte da minha experiência com a obra: o trabalho de prepará-la com um coro.

Brahms exige muito dos cantores. Suas frases são longas, a escrita harmônica pede uma escuta muito atenta e os diferentes movimentos apresentam desafios expressivos bastante distintos. Há momentos de grande recolhimento e outros em que a música adquire uma intensidade quase sinfônica.

Na formação que utilizaremos hoje, o piano assume uma responsabilidade especial. Não se trata apenas de oferecer apoio às vozes, mas de participar da construção do discurso musical, sustentando suas harmonias, seus movimentos internos e seus contrastes. A relação entre coro e pianista torna-se, assim, um dos elementos fundamentais da interpretação.

É interessante pensar também no percurso histórico da obra. Brahms apresentou os três primeiros movimentos em 1867, em Viena. Em abril de 1868, dirigiu uma versão com seis movimentos na Catedral de Bremen. A versão definitiva, com sete movimentos, seria apresentada em Leipzig, em fevereiro de 1869.

Mais de um século e meio depois, continuamos descobrindo possibilidades de interpretação nessa música. O trabalho de ensaio nos permite conhecer cada detalhe dessa construção. No concerto, tudo isso ganha outra dimensão, porque a música passa a existir no encontro com quem vem ouvi-la.

Hoje, 7 de novembro, às 19h, no Auditório da Escola de Música da UFMG. Madrigale e Patrícia Valadão, ao piano.

🎬 Ein Deutsches Requiem - Johannes BRAHMS (7. Selig sind die Toten)

Brahms e seu Réquiem Alemão: uma música de consolo

Entre os sete movimentos do Réquiem Alemão, o quinto ocupa um lugar particular. Foi o último a ser acrescentado à obra, em 1868, depois de Brahms já ter apresentado uma versão com seis movimentos. Seu texto começa com as palavras Ihr habt nun Traurigkeit (Agora vocês têm tristeza). É destinado à voz de soprano, em diálogo com o coro, e traz uma das passagens mais delicadas de toda a composição.

Em determinado momento, ouvimos a promessa: Ich will euch trösten, wie einen seine Mutter tröstet (Eu vos consolarei como uma mãe consola seu filho). A referência à mãe é especialmente significativa quando lembramos que Brahms havia perdido a sua em 1865. Não é possível afirmar que cada passagem do Réquiem tenha surgido diretamente dessa perda, mas a relação entre esse movimento e a experiência pessoal do compositor é difícil de ignorar.

Há algo muito particular na maneira como Brahms trata essas palavras. O consolo não aparece por meio de uma grande afirmação de força, mas de uma música de caráter íntimo, sustentada por uma escrita de grande delicadeza.

A escolha dos textos explica bastante da originalidade desse Réquiem. Brahms não organiza a obra em torno do temor do julgamento divino, tão presente em outras composições do gênero. Seu olhar se dirige repetidamente aos que sofrem, aos que esperam e aos que procuram compreender a perda. Isso não significa que a música evite o conflito. O sexto movimento, por exemplo, possui momentos de enorme intensidade dramática, com a afirmação da vitória sobre a morte e uma poderosa escrita contrapontística.

A serenidade do quinto movimento ganha ainda mais significado quando ouvimos esses contrastes. Brahms não oferece uma visão simplificada da morte. Sua música atravessa a inquietação, a dor, a esperança e o consolo, encontrando para cada uma dessas experiências uma linguagem própria.

🎬 Ein Deutsches Requiem - Johannes BRAHMS (5. Ihr habt nun Traurigkeit)

🎬 Ein Deutsches Requiem - Johannes BRAHMS (6. Denn wir haben hie keine bleibende Statt)

Brahms e seu Réquiem Alemão: o lugar do coro

Uma das características mais interessantes do Requiem Alemão de Brahms é o lugar que ele reserva ao coro. Embora a obra tenha também intervenções solísticas, são as vozes corais que sustentam a maior parte de sua construção. Isso se torna especialmente evidente no quarto movimento, Wie lieblich sind deine Wohnungen (Quão amáveis são as tuas moradas), sobre o texto do Salmo 84.

Depois das questões mais inquietantes apresentadas nos movimentos anteriores, Brahms encontra aqui uma expressão de serenidade. O movimento ocupa uma posição central na obra e apresenta um caráter bastante diferente daquele da marcha do segundo movimento ou das perguntas sobre a brevidade da vida que aparecem no terceiro. A escrita coral é particularmente bela. As linhas vocais se encontram, se afastam e voltam a se reunir com uma naturalidade que esconde um trabalho contrapontístico bastante elaborado.

Brahms conhecia profundamente a tradição musical anterior à sua época. Bach, Händel e os grandes mestres da polifonia faziam parte de seu universo de estudos. No Requiem, esse conhecimento não aparece como simples imitação de modelos antigos. Ele é incorporado a uma linguagem harmônica e expressiva inteiramente pessoal.

É um aspecto da obra que me interessa muito como regente. A clareza das diferentes vozes precisa conviver com a unidade do conjunto. Cada linha tem seu desenho próprio, mas o resultado depende da maneira como todas se relacionam. Em uma passagem como essa, cantar bem as notas é apenas parte do trabalho. É necessário ouvir o que acontece nas outras vozes, perceber a direção das frases e construir coletivamente o sentido musical.

Na minha opinião, essa é uma boa maneira de compreender por que o Requiem de Brahms ocupa um lugar tão importante no repertório coral: a complexidade da escrita está sempre a serviço de uma expressão profundamente humana.

🎬 Ein Deutsches Requiem - Johannes BRAHMS (3. Herr lehre doch mich)

🎬 Ein Deutsches Requiem - Johannes BRAHMS (4. Wie lieblich sind deine Wohnungen)

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Brahms e seu Réquiem Alemão: os que choram e os que esperam

O início do Réquiem Alemão de Brahms sempre me chama a atenção pela maneira como a música se aproxima do sofrimento humano.

O primeiro movimento começa sem qualquer gesto grandioso. A escrita é contida, e o coro entra com as palavras Selig sind, die da Leid tragen (Bem-aventurados os que choram). É uma música que pede cuidado com a sonoridade, com a respiração e com o peso de cada frase.

Pouco a pouco, Brahms acrescenta outro texto bíblico: “Os que semeiam com lágrimas colherão com alegria”. A passagem do sofrimento à esperança já aparece, portanto, nos primeiros minutos da obra.

O segundo movimento nos leva a um ambiente bastante diferente. Denn alles Fleisch, es ist wie Gras (Pois toda carne é como a erva...)”. A música assume o caráter de uma marcha lenta, insistente, quase implacável. Sua repetição parece nos fazer sentir o próprio passar do tempo.

Brahms coloca diante de nós a fragilidade da existência. Tudo aquilo que floresce também está sujeito a desaparecer. Mas, novamente, a música não permanece nesse pensamento: surge um trecho mais luminoso, associado à paciência e à espera, antes de um desfecho vigoroso.

Essa alternância entre reconhecimento da finitude e perspectiva de consolo é uma das características que percorrem todo o Réquiem.

Para quem canta, a passagem de um movimento para o outro exige mais do que uma mudança de andamento ou de intensidade. É preciso compreender o sentido de cada texto e encontrar a sonoridade adequada para expressá-lo.

Tenho pensado bastante nisso durante a preparação com o Madrigale. Brahms exige que a palavra esteja inteiramente integrada à construção musical, e é nessa relação que boa parte da força da obra se revela.

🎬 Ein Deutsches Requiem - Johannes BRAHMS (1. Selig sind die da Leid)

🎬 Ein Deutsches Requiem - Johannes BRAHMS (2. Denn alles Fleisch)

Brahms e seu Réquiem Alemão: uma outra maneira de falar da morte

Terminamos há pouco nossa série sobre o Requiem de Mozart, uma obra que ocupa um lugar muito especial na história da música. Agora, começo uma nova sequência, desta vez dedicada a outra das grandes realizações do repertório coral: Ein deutsches Requiem, o Réquiem Alemão de Johannes Brahms.

Embora recebam o mesmo nome, as duas obras partem de concepções bastante diferentes.

Mozart escreveu seu Requiem sobre o texto tradicional da liturgia católica dos mortos, em latim. Brahms, quase oitenta anos depois, escolheu pessoalmente os textos de sua composição, recorrendo a diferentes livros da Bíblia na tradução alemã de Martinho Lutero.

Essa escolha muda profundamente o sentido da obra. Em vez de acompanhar as etapas de uma oração litúrgica pelos mortos, Brahms constrói uma reflexão sobre a condição humana, a transitoriedade da vida e, sobretudo, a necessidade de consolo daqueles que permanecem.

Não por acaso, suas primeiras palavras são: Selig sind, die da Leid tragen — “Bem-aventurados os que choram, porque serão consolados”.

A obra começou a tomar forma ao longo de vários anos e ganhou impulso na década de 1860, período em que Brahms também enfrentou a morte de sua mãe, em 1865. Não devemos, entretanto, reduzir toda a composição a esse acontecimento. Há ideias musicais anteriores e uma elaboração artística que vai muito além da experiência biográfica.

O resultado é uma música de extraordinária densidade expressiva, na qual o coro assume um papel central.

Durante esta semana, quero compartilhar alguns aspectos dessa obra que estamos preparando com o Madrigale. No próximo sábado, 7 de novembro, às 19h, nós a apresentaremos no Auditório da Escola de Música da UFMG, com Patrícia Valadão ao piano.

Concerto — Madrigale interpreta o Requiem de Mozart

Hoje, 2 de novembro, Finados, o Madrigale apresenta o Requiem de Wolfgang Amadeus Mozart. Durante os últimos dez dias, compartilhei aqui um percurso pela história e pela música dessa obra extraordinária. Conhecemos as circunstâncias de sua composição, os acontecimentos que cercaram a morte de Mozart, o trabalho daqueles que concluíram sua partitura e algumas das características musicais que fazem do Requiem uma das grandes realizações do repertório coral.

Hoje, entretanto, gostaria de deixar um pouco de lado as explicações musicais. O Dia de Finados nos convida a recordar aqueles que fizeram parte de nossas vidas e já não estão entre nós. Cada pessoa guarda suas próprias lembranças, suas ausências e suas maneiras de lidar com a perda. A música não elimina a dor da ausência, mas pode oferecer um espaço para vivê-la e compartilhá-la.

O Requiem de Mozart reúne sentimentos que reconhecemos nessa experiência humana: o temor, a fragilidade, a súplica, a esperança e o desejo de paz. Mesmo para quem não compartilha da tradição religiosa de seus textos, há nessa música uma expressão profunda da nossa relação com a morte.

Como regente, sei que uma apresentação dessa natureza exige muito trabalho. Há semanas de ensaios, estudo, decisões interpretativas e preparação musical. Mas também sei que, quando o concerto começa, tudo isso precisa dar lugar à experiência da música. Cada cantor, cada instrumentista e cada pessoa na plateia participa desse momento de maneira diferente. E é justamente essa diversidade de experiências que torna um concerto uma ocasião tão especial.

Hoje, ao reger o Requiem, quero também recordar as pessoas que fizeram parte da minha vida e que permanecem presentes na memória, embora já não estejam fisicamente conosco. Espero que esta apresentação possa oferecer a todos nós um momento de escuta, reflexão e lembrança.

Que a música de Mozart nos ajude a encontrar, ainda que por alguns instantes, um espaço de recolhimento e paz.

O que ouvir no Requiem de Mozart?

Chegamos ao último texto desta série dedicada ao Requiem de Wolfgang Amadeus Mozart. Durante os últimos dias, percorremos a história de sua composição, conhecemos as circunstâncias de sua conclusão e procuramos compreender alguns dos principais elementos musicais que fazem dessa obra uma das mais importantes do repertório coral.

Amanhã, 2 de novembro, Dia de Finados, o Madrigale apresentará o Requiem. E gostaria de encerrar essa série com algumas sugestões de escuta, especialmente para quem estará na plateia.

A primeira delas é bastante simples: não é necessário conhecer música para compreender a força expressiva dessa composição. Entretanto, perceber alguns detalhes pode tornar a experiência ainda mais interessante.

Comecemos pela sonoridade da orquestra. Mozart escolheu uma instrumentação muito particular para o Requiem. Em lugar das flautas, oboés e clarinetes que encontramos em muitas de suas outras obras, utilizou trompas de bassetto e fagotes, instrumentos que contribuem para uma sonoridade mais escura. Os trombones, os trompetes, os tímpanos, as cordas e o órgão completam o conjunto. Logo na introdução do Requiem aeternam, essa combinação instrumental estabelece uma atmosfera de grande solenidade.

Depois, procure perceber como o coro se organiza musicalmente. Em alguns momentos, as vozes cantam juntas, construindo grandes blocos sonoros. Em outros, cada naipe desenvolve sua própria linha melódica, criando uma trama contrapontística de extraordinária riqueza.

O Kyrie é um excelente exemplo dessa segunda possibilidade. Sua fuga exige que sopranos, contraltos, tenores e baixos mantenham a independência de suas linhas enquanto participam de uma mesma construção musical.

Outro aspecto importante é a relação entre a música e o significado das palavras. No Dies irae, Mozart utiliza uma escrita vigorosa, com grande intensidade rítmica, para expressar o temor diante do julgamento final. Já no Recordare, o quarteto de solistas apresenta uma atmosfera de recolhimento e súplica. No Confutatis, o contraste é ainda mais evidente. As vozes masculinas apresentam uma música incisiva, associada à imagem da condenação, enquanto as vozes femininas respondem com uma oração de caráter muito mais suave. Essas diferenças não são apenas mudanças de intensidade. Elas fazem parte da maneira como Mozart organiza musicalmente as ideias presentes no texto.

Sugiro também observar o diálogo entre os solistas e o coro. O Tuba mirum, por exemplo, começa com um trombone solista, seguido pela entrada sucessiva das quatro vozes solistas. Já o Benedictus apresenta um diálogo vocal de caráter mais delicado, contrastando com a escrita coral grandiosa do Sanctus. Há momentos em que a música parece falar por meio de uma única voz. Em outros, é a coletividade do coro que assume o protagonismo.

E, naturalmente, vale dedicar uma atenção especial ao Lacrimosa. Sua expressividade nasce do movimento das frases, das tensões harmônicas e da relação entre coro e orquestra. É uma música que nos convida a perceber como a emoção pode ser construída por elementos musicais muito precisos.

Mas gostaria de destacar ainda uma última característica da obra: a relação entre seu início e seu encerramento. Na conclusão tradicional de Süssmayr, a música do Requiem aeternam retorna com o texto Lux aeterna. Depois, ouvimos novamente a fuga do Kyrie, agora com as palavras Cum sanctis tuis. Assim, a composição termina recuperando a música com que começou. Depois de tantos contrastes, reencontramos uma sonoridade que já faz parte de nossa memória.

Como regente, tenho a oportunidade de conhecer essa obra por meio da partitura, dos ensaios e do trabalho cotidiano com os cantores e instrumentistas. Mas a experiência de quem está na plateia é igualmente importante. É ali que todo esse trabalho se transforma em uma experiência de escuta.

Ao longo desta série, procurei apresentar alguns caminhos para compreender o Requiem. Não pretendi esgotar sua riqueza, mas oferecer elementos que possam aproximar o público de sua construção musical. Amanhã, quando a primeira frase instrumental começar, convido você a ouvir com atenção, sem a preocupação de identificar todos os detalhes que discutimos. Permita que a música se desenvolva, que seus contrastes sejam percebidos e que seus momentos de intensidade e recolhimento encontrem espaço na sua própria experiência. Afinal, uma obra como o Requiem de Mozart não se revela inteiramente em uma análise. Há sempre algo que só podemos descobrir quando a música acontece.

Amanhã, 2 de novembro, o Madrigale interpreta o Requiem de Mozart. Espero encontrar vocês para compartilharmos essa experiência musical.

Do Domine Jesu ao Agnus Dei

Depois de percorrermos a sequência do Dies irae, chegamos à parte final do Requiem de Mozart. São movimentos que apresentam diferentes formas de oração e que nos ajudam a compreender a extraordinária variedade musical dessa composição. Também entramos na região da partitura em que a questão da autoria se torna especialmente importante. Como vimos anteriormente, Mozart morreu antes de concluir a missa, e Franz Xaver Süssmayr foi o principal responsável por completar a versão que conhecemos atualmente.

O primeiro movimento dessa última parte é o Domine Jesu Christe, que inicia o Offertorium, parte da missa relacionada à apresentação das oferendas. O texto pede que as almas dos fiéis falecidos sejam libertadas das penas do inferno e conduzidas à luz divina. Musicalmente, a escrita é de grande energia, na qual o coro alterna passagens de caráter solene com momentos de intensa movimentação contrapontística. Um dos trechos mais interessantes aparece nas palavras Quam olim Abrahae promisisti, quando Mozart utiliza uma fuga para desenvolver a ideia musical entre os diferentes naipes.

Em seguida, ouvimos o Hostias, movimento que apresenta uma atmosfera bastante diferente. O texto fala das oferendas e das orações apresentadas em memória dos mortos. A música assume um caráter mais sereno, com frases amplas e uma escrita coral que exige equilíbrio e cuidado com a sonoridade. É interessante perceber como Mozart consegue construir contrastes expressivos sem abandonar a unidade da obra. O Hostias apresenta um ambiente de recolhimento, mas termina retomando a fuga do Quam olim Abrahae, estabelecendo uma ligação direta com o movimento anterior.

Esses dois movimentos pertencem à parte do Requiem para a qual Mozart deixou material composicional significativo, posteriormente instrumentado e completado.

A partir do Sanctus, entretanto, entramos em uma situação diferente. Não conhecemos manuscritos autógrafos de Mozart para os movimentos restantes, e a versão tradicional é atribuída principalmente ao trabalho de Süssmayr.

O Sanctus começa com uma proclamação solene: Sanctus, Sanctus, Sanctus, Dominus Deus Sabaoth (Santo, Santo, Santo, Senhor Deus dos Exércitos). A escrita apresenta grandeza e luminosidade, contrastando com o caráter sombrio de várias passagens anteriores. O movimento termina com uma fuga sobre as palavras Hosanna in excelsis.

No Benedictus, o quarteto de solistas assume o protagonismo. A música possui um caráter mais delicado, permitindo que as vozes desenvolvam suas linhas em diálogo com a orquestra. Ao final, o coro retorna com o Hosanna.

Chegamos então ao Agnus Dei, uma súplica dirigida ao Cordeiro de Deus, pedindo descanso para os mortos. A escrita recupera a atmosfera grave e solene que marcou o início da missa. As intervenções corais, a movimentação harmônica e o caráter suplicante do texto conduzem a obra para sua conclusão.

Mas o encerramento do Requiem apresenta uma solução especialmente interessante. Na seção final, chamada Communio, Süssmayr retoma a música composta por Mozart para o início da obra. O tema do Requiem aeternam reaparece com as palavras Lux aeterna luceat eis, Domine (Que a luz eterna brilhe para eles, Senhor). Depois, a fuga do Kyrie retorna com o texto Cum sanctis tuis in aeternum (Com os vossos santos para sempre). Essa retomada estabelece uma relação musical entre o começo e o fim da missa. A obra termina recuperando materiais que ouvimos nos primeiros movimentos, criando uma sensação de unidade e encerramento.

Particularmente, considero essa uma das características mais interessantes da conclusão tradicional do Requiem. Depois de atravessarmos tantas atmosferas diferentes, reconhecemos novamente a música que abriu nossa experiência de escuta. Há, naturalmente, uma questão histórica que não podemos ignorar: não sabemos se Mozart teria escolhido essa mesma solução caso tivesse concluído a composição. Entretanto, a retomada dos temas iniciais tornou-se parte da tradição interpretativa da obra e contribui para a maneira como a conhecemos atualmente.

Ao ouvir esses últimos movimentos, vale prestar atenção à alternância entre coro e solistas, aos contrastes entre as fugas e as passagens mais recolhidas e, principalmente, ao retorno da música inicial no encerramento. O Requiem começa pedindo descanso eterno e termina evocando a luz eterna. Entre esses dois momentos, encontramos uma extraordinária construção musical sobre a morte, a fragilidade humana e a esperança.

No próximo texto, vou propor um guia de escuta para a apresentação do Madrigale. Depois de conhecermos a história e os principais movimentos do Requiem, será o momento de reunir algumas orientações que possam tornar a experiência musical ainda mais rica.

🎬 Requiem K. 626, de W. A. Mozart (8. Domine Jesu)

🎬 Requiem K. 626, de W. A. Mozart (9. Hostias et preces)

🎬 Requiem K. 626, de W. A. Mozart (10. Sanctus)

🎬 Requiem K. 626, de W. A. Mozart (11. Benedictus)

🎬 Requiem K. 626, de W. A. Mozart (12. Agnus Dei / Lux aeterna / Cum sanctis tui)

Lacrimosa: por que essa música nos comove?

Chegamos hoje a um dos movimentos mais conhecidos e emocionantes do Requiem de Mozart: o Lacrimosa. Nos textos anteriores, acompanhamos as diferentes imagens do julgamento final presentes na sequência do Dies irae. Conhecemos a intensidade do Confutatis, com seus contrastes entre as vozes masculinas e femininas, e agora encontramos uma música que parece transformar toda aquela dramaticidade em uma súplica profundamente humana.

A palavra Lacrimosa significa “lacrimosa”, ou “cheia de lágrimas”. O texto começa com Lacrimosa dies illa, que podemos traduzir como “Lacrimosa será aquele dia”, referindo-se ao momento em que os mortos ressurgirão para o julgamento.

A música começa de maneira muito particular. As cordas apresentam uma figura rítmica de caráter suspirante, sobre a qual o coro inicia sua intervenção com suavidade. A sensação é de um movimento que precisa constantemente encontrar forças para continuar. Uma das características mais expressivas dessa passagem está na maneira como Mozart organiza as frases. As linhas vocais parecem crescer gradualmente, acompanhando a intensificação do texto. O resultado é uma construção em que a tensão musical não depende apenas do volume sonoro, mas também do movimento harmônico, da direção melódica e da relação entre as vozes.

Como regente, considero esse um aspecto fundamental da interpretação do Lacrimosa. É muito fácil transformar essa música em uma sucessão de frases excessivamente sentimentais. Entretanto, sua força está justamente na precisão com que os elementos musicais são organizados. A expressividade precisa nascer da própria escrita.

O Lacrimosa ocupa também um lugar especial na história da composição do Requiem. Foi nesse movimento que Mozart interrompeu seu trabalho. O manuscrito autógrafo contém apenas os oito primeiros compassos, deixando a continuação da música por realizar.

A versão que normalmente ouvimos nos concertos foi completada posteriormente por Franz Xaver Süssmayr, responsável por dar continuidade ao movimento e concluir outras partes da missa. Esse fato contribuiu para a construção de muitas histórias sobre os últimos momentos de Mozart. Uma delas afirma que o compositor teria chorado ao cantar o Lacrimosa pouco antes de morrer. Embora seja uma narrativa bastante difundida, não podemos tratá-la como um acontecimento historicamente comprovado.

A realidade já é suficientemente impressionante: Mozart morreu aos 35 anos, deixando inacabada uma obra que tratava justamente da morte, do julgamento e da esperança de descanso eterno. Mas considero importante que essa circunstância não determine inteiramente nossa maneira de ouvir o movimento. O Lacrimosa possui uma extraordinária força musical independentemente da história de seu compositor. A relação entre as frases, as tensões harmônicas, o tratamento do texto e a integração entre coro e orquestra são responsáveis por grande parte de sua capacidade de nos emocionar.

E existe uma questão interessante para quem canta essa música. O texto fala de lágrimas, mas o coro não precisa imitar o choro. Precisa construir musicalmente uma expressão que permita ao ouvinte perceber a fragilidade, a súplica e a esperança presentes na composição. Essa diferença entre representar um sentimento e construí-lo musicalmente é uma das questões mais importantes da interpretação.

Ao ouvir o Lacrimosa, procure prestar atenção ao movimento das cordas, à maneira como as vozes entram e ao crescimento das frases. Observe também como a música alterna momentos de maior intensidade com passagens de recolhimento. É nessa organização que encontramos boa parte de sua beleza.

O Lacrimosa encerra a sequência do Dies irae. Depois de tantas imagens de temor e julgamento, a música termina com um pedido de descanso e misericórdia.

No próximo texto, conheceremos as partes finais do Requiem, começando pelo Domine Jesu Christe e pelo Hostias, até chegarmos ao Agnus Dei e à conclusão da missa.

No dia 2 de novembro, o Madrigale apresentará o Requiem de Mozart, em uma ocasião especialmente significativa para ouvirmos essa obra: o Dia de Finados.