Repertórios que só fazem sentido no coletivo (reflexão)

Há repertórios que não falham por dificuldade técnica. Falham porque não foram compreendidos por dentro. São executados, mas não interpretados. No coro, interpretar não é apenas resolver alturas, ritmos ou entradas; é entender o sentido interno da peça, aquilo que ela pede do grupo como organismo e não como soma de indivíduos.

Peças corais existem para funcionar no coletivo, mesmo quando trazem solistas implícitos ou momentos de maior exposição. O coro é um instrumento, e mais do que isso, é uma resultante, algo próximo de um indivíduo que surge da soma de indivíduos, mas que só existe plenamente quando esses indivíduos não desejam se sobressair dentro dele. Quando isso acontece, o som vira ruído, não porque alguém canta mal, mas porque alguém canta sozinho dentro de um lugar que exige escuta compartilhada.

Esse é um aprendizado que a música coral oferece com clareza: o músico não deixa de querer se aprimorar como indivíduo, mas passa a entender que esse aprimoramento só faz sentido se ajudar o todo a soar melhor. O protagonismo, aqui, não desaparece; ele muda de lugar. Ele passa a existir no resultado coletivo.

Cantar bem, no sentido coral, não é cantar bonito. É conseguir unir a própria voz à do outro em busca de um som resultante. É a escuta de vários. Não se trata de uma soma de vozes solistas cantando juntas, mas de um acordo de convivência sonora que se constrói ensaio após ensaio. Simples assim. 

Por isso, não acredito que existam repertórios “problemáticos” em si. Há repertórios que falham porque o equilíbrio do grupo não está dado. E equilíbrio não se força, ele se constrói ou se perde. Algumas peças simplesmente revelam isso com mais rapidez e menos indulgência.

Cantar junto também é confiar. Confiar no tempo do outro, na integridade do ataque coletivo, na respiração compartilhada. Confiar na entrada que virá, sem antecipar o ataque por aflição. Confiar no gesto do regente, mas também ao corpo sonoro que se forma à sua volta. Confiar na respiração coletiva.

Nesse contexto, a afinação relacional se torna mais importante do que a afinação puramente técnica. A afinação de um coro nasce da combinação entre vozes diferentes, e essa é a essência da polifonia: vozes independentes que se interdependem. Não há polifonia sem conflito. Há tensões que se resolvem e há tensões que permanecem, especialmente na música contemporânea. E tudo isso faz parte do jogo.

O coro, nesse sentido, é também um laboratório de convivência humana. Nele se experimentam vários sistemas de governo. Não apenas a democracia está presente. A autocracia também aparece quando decisões precisam ser tomadas para que algo se realize. Dependendo das escolhas de repertório, inclusive, corre-se o risco da anarquia. O coro não é utopia, ele é negociação permanente.

Vivemos hoje um tempo em que a tecnologia otimiza processos. Ensaios podem ser mais eficientes, produções mais rápidas, resultados mais previsíveis. Isso é bom para a produção musical, mas nem sempre para a convivência humana, porque menos ensaios significam menos tempo de escuta mútua, menos tempo de construção simbólica do estar junto. É um equilíbrio difícil, e é uma questão muito própria do nosso tempo.

Ainda assim, não acredito que o ser humano escape da necessidade do coletivo. O coro tende a ganhar importância justamente por ser esse instrumento possível do estar junto. Não penso o cantar coletivo como resistência heroica, mas como cuidado contínuo. Um cuidado que exige atenção, escuta e renúncia pontual.

Se conseguimos viver bem num coletivo pequeno, talvez nos tornemos mais aptos a viver no grande coletivo. Qualquer repertório acaba revelando o grau de maturidade de um grupo. Quanto mais harmonioso o resultado, mais evidente é a junção dos indivíduos em favor do todo.

Há músicas que só fazem sentido assim. E talvez seja isso que elas continuam tentando nos ensinar.